por Andrea Cabel

Molina y Valentín se conocen en una prisión bonaerense en la Argentina de la dictadura. Ambos aparecen como personajes transgresores pero en diferente medida y por diversas causas: Molina, está encarcelado por el delito de “corrupción de menores”; es decir, por ser un homosexual de unos 41 años que se involucra con un muchacho menor de edad. Y Valentín, por sus ideales políticos, por ser un revolucionario marxista. Ambos son personajes antagónicos, en primera instancia, a nivel de personalidades. El primero, dice claramente no ser un homosexual, sino que es una mujer; el segundo dice que ser hombre es no dejar que nadie abuse de uno, que nadie usurpe sus derechos. Es decir, Molina niega su condición de homosexual, mientras Valentín reivindica su condición de hombre.

Estos personajes tan disímiles entre ellos, comparten la misma celda y por momentos, la misma tristeza y necesidad. Así, para evadir su realidad, los personajes conversan: Molina le cuenta a Valentín la historia de una “mujer pantera” –película que existe y se llama Cat people de Jacques Tournier, 1942- , esta historia Molina la sabe porque la había visto en el cine, éste –el cine- aparece como el espacio que reúne a los distintos estamentos sociales y que permite el acercamiento entre las disímiles vidas y personalidades de los dos reclusos. La obra transcurre, y Molina poco a poco, le cuenta la historia de esta mujer que se creía pantera y mientras tanto, ocurre la otra historia, la historia de ellos dos, de tal modo que la narración de esta historia permite que estos personajes se conozcan mutuamente rompiéndose las barreras iniciales que los separaban.

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por Francisco Ángeles

Andrea Cabel me cae bien. Nunca hemos tomado una chela juntos, y lo máximo que hemos hecho es dar vueltas alrededor del Starbucks que está por la Universidad de Lima, donde siempre nos hemos encontrado. Casi nunca hemos hablado de literatura. Supongo que eso es bueno. Pero hay más.

Me gusta, por ejemplo, que sea la única persona que ha dado señales de leer estos pequeños textos que acompañan las entrevistas. Al menos es la única que me ha escrito uno que otro mail para comentarlos. Eso bastaría para postear esta entrevista tan antigua, la más antigua de todas las que aparecen en Porta9. Postearla como pretexto para escribir uno de estos textos que ella lee. 

por Andrea Cabel

Si como piensan Goffman(1), y de hecho Aristóteles, el teatro puede ser usado como una metáfora de la acción humana, podemos decir lo mismo del performance. Sin embargo, aunque el performance y la teatralidad sean paradigmas analíticos centrales en el ámbito social, político y cultural, muchos confunden ambos conceptos y los entremezclan para generar, quizás, un mayor efectismo en su mensaje.

Antonio Prieto en “Entorno a los estudios del performance, la teatralidad, y más” (notas para una conferencia) propone una interesante definición del polémico concepto de “performance”, cito: “el performance es una esponja mutante y nómada. Es una esponja porque absorbe todo lo que encuentra a su paso: la lingüística, la teorías de la comunicación y de la conducta, la antropología, el arte, los estudios escénicos, los estudios de género y ahora los estudios postcoloniales. Es mutante gracias a su asombrosa capacidad de transformación en una hueste de significados escurridizos: parte del latín per-formare (realizar), para con el paso de los siglos denotar desempeño, espectáculo, actuación, realización, ejecución musical o dancística, representación teatral, etc. Incluso muta de género al realizar un ‘travestismo’ en países como España y Argentina donde se conoce como la performance Nuestra palabra es nómada ya que se le ha visto viajar sin necesidad de pasaporte de una disciplina a otra y también de un país a otro. No obstante, su desplazamiento transfronterizo no ha estado exento de dificultades al mudar de lengua”(2).

Ciertamente, el performance posee y expresa estas cualidades, posiblemente, por esta íntima vinculación con el posmodernismo –aunque en el caso del Perú, más bien hablaríamos de una tendencia posmodernista-, y es que lo posmoderno es el campo donde reina lo híbrido y fragmentario, en donde incluso, surge una cierta revaloración de lo marginal o periférico y donde la premisa fundamental se sostiene en un sujeto descentrado.

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Con este texto inauguramos una vertiente inédita para Porta9: la crítica de obras de teatro actualmente en escena. La primera en ser comentada es ”No pasa nada”, escrita y dirigida por Jorge Castro, que se presenta en el Centro Cultural de la PUCP, de jueves a lunes a las 8 pm, hasta el 6 de octubre.

por Andrea Cabel

EL GUION

Apuntes sobre el título

El título nos remite a dos cosas: por un lado “no pasa nada” es una expresión coloquial muy usada actualmente por todos nosotros, y por otro lado, esta una frase tomada de Estragón, importante personaje de “Esperando a Godot”. Evidentemente, esta simbiosis de lo contemporáneo y lo clásico es un punto que se traducirá a lo largo de las demás “conversaciones”, puesto que en “No pasa nada” no hay escenas, ni actos, ni nada que concuerde con el típico teatro al que estamos expuestos.

Del teatro del absurdo, además, esta obra toma un ingrediente importante: a lo largo de toda la obra se insinúan problemas frente a los que existe una expectativa frustrada. Frustrada siempre. De tal modo que, esta frase clásica y actual funciona también como un balance entre la teoría teatral y lo coloquial e inmediato. Esta frase que advierte el balance y guiño hacia lo actual y hacia lo clásico se ve justificada por la idea central de la obra que es ironizar y parodiar la crítica, la teoría dramática, el teatro convencional, las tendencias actuales que representan siempre lo mismo sobre los mismos temas, (comprobamos esto leyendo el final, en donde el grupo de amigos acaban sugiriendo “lo más de moda” –una película sobre piratas- (de lo que se burlan en la obra) en vez de mantener la idea inicial: hacer una obra en donde pueda haber indicios de conflictos y acciones, pero en donde finalmente, no pase nada). Así, “No pasa nada” enfatiza en la parodia y en la reflexión no solo sobre temas teórico-literarios, sino también sobre una realidad actual limeña.

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por Andrea Cabel

A primera vista, los cuervos son oscuros como las sombras, como el miedo. Sin duda, un terrado cubierto de sombras no es una imagen que aliente la lectura o a un clima acogedor, capaz de infundir confianza en un lector que se inicia en esta particular poética. El vértigo es la sensación que cubre estos ocho textos, el vértigo y la impotencia, el “apenas” que reina en todos los versos, y que hace que los poemas cuelguen y dejen al lector desencajado, intentando encontrar otro orden, otra fuerza, lo que nos obliga a retomar la lectura y a no dejarnos llevar por una primera impresión.

En el terrado no hay cielo, no hay mar, no hay un espacio para alzar vuelo. Todos los lugares aparecen reunidos en un mismo punto, que puede ser la memoria, el hermético recuerdo de lo que resurge con otros nombres. En este espacio, alguien explora su mente y sus defectos, explora sus tropiezos y esa profunda timidez que se siente al reconocerse como propio. En esta entrega, algo aparece como manchas reptando los tobillos y que por momentos sucede con el nombre de enfermedad. Luego, aparece nuevamente, llamándose “la palabra nadie” e invoca claramente “un mundo con los huesos rotos”, “un silencio lila que se recupera”.

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“CREO QUE LA POESÍA ES UN DON, UN DON SIN UTILIDAD PRÁCTICA”

por Andrea Cabel

Oscar Málaga (Lima, 1946) es ferviente creyente de la noche, de la reencarnación de los gatos, de los autobuses 302. Le gusta el circo, las sandías y las islas. Los premios que ha ganado, los libros que ha escrito, todas las calles que ha caminado y sigilosamente construido, nos sirven para decir de él y de sus obras, solo dos palabras: bondad y belleza.

Conversamos con Oscar sobre cuatro de sus obras, tres novelas: El secreto de la trapecista (actualmente traducida al portugués por la prestigiosa editorial “Teorema”), Blues de un gato viejo, La ópera de Dulce Diamante (inédito), y el poemario que le valió el premio de poesía del Instituto Cervantes otorgado en el concurso Juan Rulfo (Francia): El libro del atolondrado.

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por Andrea Cabel

El sujeto poético nos sitúa desde el comienzo en un espacio fijo desde el cual nos traslada a otros, que son más bien múltiples e imaginarios. “Santa Inés” es el nombre de la casa de la voz poética, podríamos decir entonces, que es el “arca” del viajero. El punto referencial desde el cual viajaremos por fábulas, historias familiares, historias de la memoria y del tiempo que tiene la forma de un pájaro cucú. La casa -o el arca- es amplia y llena de naturaleza. El sujeto poético explica la construcción de ese universo que está sostenido en maderos, en losetas-damero, en ocho ventanas como fachada.

El arca es un universo compuesto de extensos huertos y torres, de animales y frutos vivos. Nos dice la voz viajera “a diario confundido con los árboles terminaré aprendiendo el idioma de los pájaros”, y finalmente en la “Bitácora del arca” -último poema- corroboramos que el lenguaje de los pájaros es parecido al de la poesía y el poeta puede hacerse ave que canta o que deja el color en los lugares por los que transita. Los amigos muertos, los homenajes discretos y llenos de espacio para mirarse, hacen contundente el inmenso paisaje por el cual el arca, o la casa, o el cuerpo mismo de la voz poética, pasea y encalla.

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