Mañana se inicia la tradicional Feria Ricardo Palma con la presencia estelar del gran César Aira. Pero durante esta jornada inaugural el escritor argentino no será el único en pasar por el anfiteatro Chabuca Granda presentando una nueva publicación. A las 8.30 pm, Rosa María Cifuentes hará lo propio con el libro de no ficción Asesinas, once historias de mujeres que, en distintas situaciones, por distintos motivos y a través de distintos medios, terminaron matando a alguien.

Durante la presentación, acompañarán a la autora José Güich Rodríguez y Manuel Eráusquin. Y aquí una reseña sobre el libro.

por Oswaldo G. Tamayo

En “Hermanas de Sangre”, una de las historias incluidas en Asesinas, las homicidas no tienen un precedente psiquiátrico. Salen a trabajar al campo y regresan a su casa, una rutina común en la sierra. Pero una vez que el móvil de la venganza actúa, entonces las hermanas Hortensia y Otilia Benites cobran venganza por la muerte de su hermana Elvira. Wilmer Yataulo es amarrado y dispuesto a una muerte con odio. Le escupen el rostro, le patean la cara, le dan de golpes en la cabeza hasta destrozarle el cráneo; lo colocan sobre una mesa “y con un filudo machete lo descuartizaron y extirparon las vísceras y las pusieron sobre su tórax. Finalmente, le cortaron el pene en “pedacitos y todo se volvió un charco espeluznante de sangre”.

Un claro ejemplo cuando entendemos el homicidio como un lenguaje radical: si no hay castigo para el infractor, para el asesino en este caso, entonces se harán cargo de ello las manos de los familiares, el pueblo. Un complejo modo de comunicar la ausencia de ese algo que al menos reduce la sed de venganza por uno mismo.

Asesinas de Rosa María Cifuentes tiene ese propósito: el de explorar los sentimientos de ausencia en las once crónicas sobre mujeres peruanas asesinas, desde 1930 hasta el 2006. El libro desarrolla, en formato de crónica periodística, cómo la victimaria convive con sus emociones antes de cometer el crimen, su desenvolvimiento pre-homicidio en su familia y entorno social, y termina demostrando, en una evolución de las frustraciones, cómo sus dolores y su incapacidad para aceptar un rechazo -amoroso en la mayoría de casos- terminan conduciéndola a cometer esos crímenes.

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por José Carlos Picón

Al poeta José Cabrera Alva, el adjetivo insular le cae a pelo. Sus textos son producto de una exploración del lenguaje y del silencio. En la última Feria Internacional del Libro su última entrega, Ombligo de Ángel fue recibida con no poca aceptación. A continuación, unas cuantas palabras en torno de su obra.

Ya se veía desde su placa inaugural en el campo editorial, El libro de los lugares vacíos (Dedo Crítico Editores, 1999), un trabajo de la palabra precisa y una profunda sensibilidad hacia la metafísica. La estética taoísta, quizás, coqueteaba con él en estas primeras construcciones: Oirás / el canto de los pájaros al morir en el cielo / Ese será tu aprendizaje / de lo que pasa / con lo más puro de la tierra / cuando le llega la muerte: / se eleva hasta donde sólo se escucha el movimiento de las nubes / para que los dioses lo oigan / por / última / vez.

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por Niki Tito

1
Carlos López Degregori (Lima, 1952), autor de algunos poemarios notables como Cielo forzado, Aquí descansa nadie o Flama y respiración, entrega ahora El hilo negro, un poemario hecho a partir de sus poemas en prosa (una forma poética, por cierto, kilométricamente alejada de lo pomposo y vacío de la prosa poética) con el que López pretende seguir transportando al lector a los mismos parajes desolados en los que se construye su obra, esta vez con una cara novedosa, distinta, más aterradora que nunca.

2
Uno abre El hilo negro y es recibido de entrada por un breve texto que en realidad es una advertencia para su lectura: en tres movimientos, López explica la transformación de la veintena de poemas viejos en algo completamente nuevo y autónomo. Así, la clave del libro es su estructura: el nuevo orden de los textos es todo un hallazgo y le basta al autor para construir una aventura poética totalmente nueva para el lector. Porque El hilo negro no es una “antología de sus poemas en prosa”. O sí lo es, pero hablar de simple reunión de poemas sería reducirlo a su costado más inofensivo. Más interesante es considerar el libro como un nuevo poemario –porque, efectivamente, lo es–; y, a partir de ello, aún más interesante es prestar atención a sus posibilidades narrativas e intentar leerlo como un relato, un dramático relato de terror hecho de poemas de amor y perdición.

3
El libro se divide en tres secciones en los que únicamente sobreviven episodios claves de lo relatado. En “Voces”, la primera sección del libro, los poemas se organizan a partir de desconocidas voces ambulantes que, como una encantadora amenaza o una dulce fatalidad, aparecen de pronto frente al hablante para comunicarle algo y/o generar alguna experiencia que al final terminará por afectarlo decisivamente: “Alguien viene a tu habitación esta noche y te dice al oído: levántate, he venido para llevarte”.

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por Manuel Aguirre

Esta última novela de Carlos Calderón Fajardo conmociona mis estructuras mentales y emocionales. Veo en ella un análisis crudo de: a) las relaciones entre parejas y el machismo, b) la exposición de la miseria a la que se someten ciertos seres humanos que se niegan a vivir su propia realidad y optan por construir una fantasía para vivir en ella; y c) un tercer paradigma, que parece persigue a Calderón a través de toda su obra: la convicción de que todos nos vamos a morir pronto, pero que nadie sabe realmente cuándo.

Las parejas que resaltan son, en la primera parte: Gonzalo More y Helba Huaura (con la intromisión dentro de la cama, de Anais Nin). En la segunda parte, Antonio Salas e Yvonne (además de la presencia sorda de los fantasmas de Milu y Helba); y en la tercera, en que estas relaciones se hacen difusas y fantasmagóricas en el caso de Carrasco F. y Amador R., y teóricas en el caso de Pedro Pablo J., plantean una realidad vitriólica, una desesperada búsqueda de la muerte como compañera de vida, como una amiga más que se pueda quejar de las miserias de la vida, con ellos.

Al leer la novela he sentido que CCF ponía frente a mis narices las relaciones más brutales entre parejas como peroles llenos de excremento y cuando intenté voltear el rostro para evadir el olor, me encontré imposibilitado. Era como si me hubieran entablillado la cabeza. Debí continuar observando y leyendo, por mucho dolor que me causara esta tragedia.

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por Juan Francisco Ugarte

Un tema recurrente en nuestra narrativa última es el terrorismo. Sin embargo, pese a esta inclinación, no se ha alcanzado todavía perspectivas maduras ni correctamente estructuradas sobre el asunto y, por consecuencia, tampoco títulos de gran nivel literario. Pero los libros siguen apareciendo. Algunos introduciéndose de manera directa y otros simplemente tentando el terreno, haciendo alusiones (lejanas o cercanas, dependiendo del caso) al problema de la violencia que vivió el Perú en los años 80. En esta misma línea se inscribe la nueva entrega del periodista Raúl Tola (Lima, 1975): Toque de queda.

Pero no todos los cuentos tratan del terrorismo. De los dieciséis relatos que contiene el libro, menos de la mitad tocan ese tema o hacen referencia a él. No obstante, es notorio que la mayoría están ambientados dentro de esos años. El terror y la histeria son elementos claves que giran en torno a los personajes, y que los convierten, a causa de las tormentosas relaciones con su medio, en seres recelosos, desconfiados y, en algunos casos extremos, en individuos enteramente violentos, cuyos anhelos tienen el atroz objetivo de atentar contra el otro. Pero los relatos de Tola también dan cuenta de los personajes más humanos, más comprometidos y solidarios que toda guerra, por necesidad y efecto propio, deja ver. En “La chica de la posada”, Pereyra es un fotógrafo que se encuentra en un hospedaje de la sierra cuando, de pronto, empieza la balacera entre soldados y terroristas. Asustado, baja las escaleras y se acerca a la chica que atiende en el local. Ella le explica que luego de capturar a los subversivos, los soldados se dedican a buscar cómplices y que “si no aparecen son capaces de llevarse al que sea” (pág. 99). Luego de un rato, le pide que lo acompañe y, sin decir nada, lo lleva a una habitación escondida para protegerlo y donde Pereyra se encuentra, postrado en una cama, a un anciano moribundo. “Es mi padre, señor Pereyra” (pág. 100), dice la chica. Además de ayudarlo, lo introduce en su propia vida; es decir, arriesga sus intereses por el hecho de salvarlo. Nadie puede negar el valor humano de esta actitud.

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por Alberto Alarcón

Voy a escribir sobre el libro Teorema del navegante de Luis Eduardo García en mi condición de poeta y no de crítico literario. Es decir como cómplice de este poeta piurano y no como testigo de la defensa, ni mucho menos como fiscal. La crítica literaria se ha pervertido y eso creo que debe preocuparnos tanto a los que escribimos como a quienes nos leen. Lejos de sincerarse y volverse el puente conector entre el escritor y su público, la crítica literaria se ha vuelto una flor en el ojal de algunos intelectuales lechuguinos para tratar de impresionar a los incautos y hacerse de unas líneas más en sus hojas de vida.

Y es que nadie quiere hablar en simple, los muy modernos hombres del siglo XXI somos en el fondo unos barrocos endemoniados, a quienes más place el emperifollo que la llaneza verbal, como diría mi amigo el poeta Sigifredo Burneo. Hay unas cuantas verdades que aceptar como axiomas o teoremas, para estar más a tono con el libro Teorema del navegante. Una de ellas la dijo el poeta Paul Valery hace ya mucho tiempo: la poesía no se hace con ideas sino con palabras. Otra gran verdad la ha dicho el español Rafael Lapesa: el lenguaje literario se expresa a través de imágenes y no de temas ni asuntos. Otra la dijo un crítico que me cae antipático pero que parece que esta vez acertó, Juan Larrea: A veces el poeta, por la naturaleza misma de la sustancia que articula, se ve imposibilitado de desnudar su alma a la vista de todos.

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por José Carlos Picón

La reedición de Estudios sobre un cuerpo de Jorge Frisancho se enmarca dentro de aquellas iniciativas que rescatan proyectos poéticos en la actualidad inhallables. Primero, saludamos la entrega de un poemario cuya primera edición data de 1991 (Colmillo Blanco); segundo, en lo que a esta reseña compete, nos toca comentar su pertinencia en un momento en el que las nuevas voces de la poesía peruana se vinculan a diversos registros y formas de expresión.

En los 90 los discursos de los jóvenes vates empezaban a desmarcarse de la tendencia conversacionalista y los compromisos colectivos que vadearon parte de los sesenta, marcadamente los setenta y posteriormente, los ochenta —marcados por la violencia política. La propuesta de Frisancho, en este libro, tiene ecos de actos insulares anteriores: Carlos López Degregori, Mario Montalbetti, por ejemplo. Sin embargo, acoge un giro innegable: conforma un planteamiento que se transfigura en modus operandi.

Como en los escritores antes mencionados, Frisancho posee un lenguaje excesivamente trabajado. Es un artesano culto y lector acucioso. Apuesta por una especie de caudalosa experimentación que tiene en la palabra insumo primordial; en la construcción, arquitectura de sentido. Acomete el poema con referentes que no hacen alusión ni a la ciudad ni al estado de cosas dentro de un espacio-tiempo social, sino más bien ciñe su decir en una geografía intimista, personal y hermética.

Al leer los 17 poemas de Estudios sobre un cuerpo notamos que la voz del poeta encarna una experiencia en la que introspección, reflexión y autoconocimiento operan en una plataforma que, a diferencia de propuestas anteriores, generan un motor de íntima sensualidad —ligada a la conciencia del paso del tiempo— unas veces, y un cuestionamiento del poema como espacio físico y acaso, metafísico —arraigado al cuerpo como metáfora.

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por Marlon Aquino Ramírez

Y no soy yo que sufre sino el otro
El mismo mono milenario
Que se refleja en el espejo y llora.
(J. E. Eielson)

¿Recuerdan las escenas iniciales de 2001: una odisea del espacio? En el inicio de la aclamada película de Kubrick vemos a un grupo de homínidos deambulando por una llanura seca en busca de alimentos, luchando contra las fieras e incluso entre ellos mismos por la posesión de una charca de agua. Son los albores de la humanidad, y esa agrupación de antepasados nuestros aún no calificaba como clan, tribu y, mucho menos, familia. Apenas es un conjunto de seres prerracionales que siguen a un macho fuerte y despótico. Sus vínculos son toscamente prácticos y los sentimientos poco tienen que ver con ellos. Es una horda. Sabemos, sin embargo, que con el paso del tiempo, las agrupaciones ya propiamente humanas devendrían en clanes (grupo de gente unida por parentesco y ascendencia) y tribus (grupos de la misma raza, creencias y costumbres).

Esta narración histórica de entraña positivista, instituida en la modernidad, es la que a todos nos han contado y que más de uno contará a sus descendientes. La historia de lo que fuimos y ya no somos. El discurso que otorga seguridad y confianza en el futuro. El progreso. ¿Pero qué ocurriría si, luego de detenernos a reflexionar unos minutos, descubriéramos -como al leer los versos de Eielson que he usado como epígrafe- que el mono milenario aún habita en nosotros?

Pilar Dughi ha construido con La horda primitiva un desolador espejo donde podemos observar la imagen inquietante de ese ancestro que se agita violentamente en el abismo de nuestro ser. Ese ser que hoy, en el siglo XXI, parece seguir formando hordas individualistas y prerracionales más que familias cohesionadas. Luego de leer estos trece cuentos, es fácil asociar los comportamientos de los personajes de cada una de las historias, con las características principales de las hordas: debilidad de fronteras entre lo consciente y lo inconsciente; ausencia de normas y valores (lo que imposibilita el desarrollo de ideales); prejuicios marcados; endeble consciencia de grupo. Veamos.

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por Augusto Effio

El argumento de Llamadas de Ámsterdam, la nouvelle que Juan Villoro publicara en el 2007, puede resumirse en dos escuetas y engañosas líneas: la amarga separación de una pareja orilla al ex esposo (entre otras desgracias) a telefonear a la mujer que no lleva más su apellido desde la calle Ámsterdam (México DF, para mayores señas), nombre que cifra la oportunidad que el matrimonio tuvo de alcanzar la felicidad al otro lado del océano, y que finalmente desperdició entre una serie de pretextos: el miedo a la paternidad, la sombría y omnipresente figura del suegro, una disímil fortuna laboral. En manos de Villoro, este elemental punto de partida deja como saldo una narración sólida y perdurable, poniéndonos a salvo del sinfín de lugares comunes que cualquier escribidor medianamente correcto habría inventariado. ¿Cómo doblegar una trama de variantes ya conocidas para alcanzar el paraíso del libro redondo?

En el caso de Los culpables (2008), su tercer conjunto de relatos, las circunstancias son distintas pero la inquietud es la misma. Digamos que Villoro nos recuerda que, si le provoca, puede derrochar novedad en los insumos que lleva a su laboratorio y destilar sus historias por un complejo alambique narrativo. Pero aquello sigue siendo secundario. Si uno vuelve a tomar un trago de las páginas que Villoro compone no es con la intención de saciar la sed de un final o nudo argumental de cosecha exclusiva, es la nostalgia por el sabor y la textura de algunos párrafos, la voz de un personaje o los pedazos de mundo que sus aforismos han redefinido para siempre.

Si bien el título elegido no es gratuito (los siete relatos tienen como detonante o justificación algunas culpas difíciles de callar u ocultar), la vocación orgánica del conjunto proviene de una exploración de lo que podríamos llamar los vericuetos de la “identidad mexicana”, aun cuando aquella responda, incluso, a notas y partituras impostadas por la necesidad de exotismo o degradación que exigen algunos oídos foráneos (y no tanto).

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por Félix Terrones

Familia y recuerdo

Julia Wong Kcomt (1965) nos entrega con su opúsculo Bocetos para un cuadro de familia una nueva arista para un tema recurrente en la literatura latinoamericana: el de la familia. María Inés, la narradora, regresa tras quince años de ausencia a Chepén, su tierra natal. Es entonces que su memoria comienza a recuperar un pasado lejano pero no ajeno. Entre sus recuerdos aparece la imagen de sus cuatro tíos, las tardes de películas en el “Cine Alegría” y, por sobre todos la figura del abuelo en su mueble azul. Viaje a la semilla tribal que también lo es al pasado personal, no se trata de un regreso desconectado con el presente. El regreso de María Inés responde al llamado de su tía Alejandra, que la invoca tras la violenta y secreta muerte de su tío Armando el cual “era muy atractivo” (p.65) pero al mismo tiempo “era como el influjo inmenso y herido de un gnomo que no había podido entender las alturas de la vida” (p.73).

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por Juan Francisco Ugarte

Cat food representa el grito de un grupo de jóvenes que antecede a una inminente caída al vacío. Un chico que se vuelve adicto a la comida de su gato, otro que se ve amenazado por el enorme caracol de su novia, un joven escritor que tiene que lidiar con el amor que siente por su profesora. Cada historia abre paso a un submundo en el cual se ahogan y liberan los personajes en un intento por descubrir la realidad. El primer libro de Pedro Casusol (Lima, 1986) experimenta con los sentimientos de una generación que no se encuentra a sí misma, y cuyo único camino está trazado por una inclinación hacia lo inmediato y trivial.

Compuesta por diecisiete relatos, esta colección tiende a mostrarnos los distintos caracteres y ánimos de unos personajes que gozan de un enfoque particular del mundo. El placer, la indiferencia, el amor y el deseo de supervivencia son puntos claves que configuran el marco esencial de los cuentos. Cada historia es la búsqueda por una felicidad inalcanzable, por el anhelo de una existencia desprovista de temores y fobias. Sin embargo, en este recorrido los protagonistas encuentran sus conflictos y angustias en sus propias acciones, lo que significa para ellos el retorno a un universo que no deja de atormentarlos. No hay lugar para la esperanza, cada pequeña experiencia se convierte en motivo para las más tremendas decepciones. A pesar de ello, un elemento característico de los relatos es que carecen de grandes tragedias. La mayor parte de la infelicidad y sufrimiento de los personajes se producen en los actos cotidianos o en los propios ambientes juveniles. Por ejemplo, en “El enganche del caracol”, Roberto se siente perturbado por el inmenso caracol que su novia tiene como mascota en la cocina de su casa. No puede dejar de mirarlo. Es una especia de amenaza que lo aturde e incomoda, aunque intenta conservar la calma para que ella no advierta su repulsión. Pero la ansiedad y la angustia son constantes. Y es con estos sentimientos que los personajes se van a desenvolver e interrelacionar con su medio.

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por Andrea Cabel

A primera vista, los cuervos son oscuros como las sombras, como el miedo. Sin duda, un terrado cubierto de sombras no es una imagen que aliente la lectura o a un clima acogedor, capaz de infundir confianza en un lector que se inicia en esta particular poética. El vértigo es la sensación que cubre estos ocho textos, el vértigo y la impotencia, el “apenas” que reina en todos los versos, y que hace que los poemas cuelguen y dejen al lector desencajado, intentando encontrar otro orden, otra fuerza, lo que nos obliga a retomar la lectura y a no dejarnos llevar por una primera impresión.

En el terrado no hay cielo, no hay mar, no hay un espacio para alzar vuelo. Todos los lugares aparecen reunidos en un mismo punto, que puede ser la memoria, el hermético recuerdo de lo que resurge con otros nombres. En este espacio, alguien explora su mente y sus defectos, explora sus tropiezos y esa profunda timidez que se siente al reconocerse como propio. En esta entrega, algo aparece como manchas reptando los tobillos y que por momentos sucede con el nombre de enfermedad. Luego, aparece nuevamente, llamándose “la palabra nadie” e invoca claramente “un mundo con los huesos rotos”, “un silencio lila que se recupera”.

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por José Carlos Picón

Recuerdo que el primer texto que leí de Róger Santiváñez (Piura, 1956), apareció ante mis ojos por obra y gracia de la curiosidad: la misma que se agolpaba en los estantes polvorientos de mi padre —militante de izquierda—, llenos de textos de doctrina marxista, dialéctica y economía política. Y es que entre estos tomos, gracias al interés omnívoro de mi progenitor, también se podían encontrar publicaciones (contra)culturales de la época de los ochenta. Una de ellas, Luz Negra, Ex Nave de los Locos. Macho Cabrío Productions. Surquillo-Lima, incluía este poema del cual se me escapa el nombre, el tema. Sin embargo, estaba convencido en ese momento —a los 10 años aproximadamente— que mi proverbial sentido de convencionalismo y su apego por pensar que lo poético sólo aceptaba obras como las de Bécquer o Campoamor, había sido conmocionado. Santiváñez me había “desahuevado”. Por supuesto, ése fue el punto de partida para ahondar en la poesía peruana. Había escuchado de Vallejo, Eguren, Eielson. Fue entonces que las referencias que se hacían de ellos —y otros vates nacionales— en la escuela obtuvieron toda mi atención.

El lenguaje del texto de Santiváñez era muy explosivo, y ciertos rasgos de la tipografía mayúscula sobre aquel papel color hueso, delgado, áspero, lo hacían, sin duda, más singular. (La carátula de la publicación iba a blanco y negro, era un dibujo violento, de trazos hoscos). Si mal no recuerdo, —ya que no tengo el fanzine que menciono a la mano, lamentablemente lo he perdido— el poema hacía referencia al mar y a algunos personajes velados, delirantes: una especie de locura por momentos colorida, de un tono medio “renegón”. Quizás hablaba de un amor. Como reitero, no recuerdo el texto, pero sí la impresión que me causó.

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por Niki Tito

En una entrevista imaginaria al final de El portero y el otro, el narrador uruguayo Mario Levrero se pregunta y se responde a sí mismo acerca de las formas autobiográficas de narración: “Yo hablo de cosas vividas, pero en general no vividas en ese plano de la realidad con el que se construyen habitualmente las biografías”. Es muy posible que este cuestionamiento a las nociones tradicionales de biografía y realidad sea el mismo del que parte Mario Bellatin al momento de concebir y diseñar El Gran Vidrio.

Ya en algunos libros anteriores, una de las obsesiones de Bellatin era convencer al lector de que sus historias de ficción eran verdaderas, es decir, que habían sucedido en la “realidad”, al mismo tiempo que forzaba lo verosímil de la narración. Lo ha intentado en Shiki Nagaoka: una nariz de ficción, acompañando lo relatado de una serie de documentos que probarían la existencia del personaje principal; y en Perros héroes, adjuntando al texto una suerte de testimonio gráfico. En ambos casos las fotografías eran los elementos que operaban como puentes entre lo que comúnmente se conoce como ficción y realidad.

En el caso de El Gran Vidrio, Bellatin se vale del género de la autobiografía –más precisamente de la credibilidad que posee la autobiografía en términos de verdad– para violentarla, para utilizarla como una especie de cáscara, de concepto vacío para ser llenado de una manera distinta a la habitual. He ahí el camino que se propone Bellatin en este libro. Y sí: funciona. Al revisar el subtítulo que lleva el libro y que sirve como marco de lectura, “tres autobiografías”, nos damos cuenta de inmediato que con ello Bellatin echa por tierra la idea tradicional de que una autobiografía es única, irrepetible, invariable. Bellatin no propone solo una. Pero tampoco dos, previendo quizá una lectura especular en la que en finalmente ambas no serían más que una. Así, las tres autobiografías (de las muchas posibles) que el libro incluye proponen capturar de modos distintos algunos retazos de lo real en relatos de diferente naturaleza. Si en libros anteriores Bellatin incluía fotografías y documentos para probar el carácter verdadero de los hechos y de los personajes, en El Gran Vidrio él mismo se incluye como personaje como prueba irrefutable de veracidad.

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por Jack Martínez

Los que estamos al tanto de la narrativa peruana contemporánea, escuchamos o leemos el nombre de Luis Nieto Degregori y lo asociamos inmediatamente con el Cusco. Una relación nada gratuita si tomamos en cuenta sus últimas publicaciones: Cuzco después del amor (2003) y Asesinato en la gran ciudad del Cuzco (2007). Sin embargo, acaba de aparecer una colección de tres relatos (o novelas cortas) con el título poco afortunado pero llamativo de El guachimán y otras historias; donde Nieto deja de lado su ciudad natal para sumergir a sus personajes en otras ciudades.

Los relatos del libro parten de conflictos amorosos singulares. En “La mala conciencia” se trata de un cura y una joven casi ninfómana; en “Ninochka”, un hombre casado mantiene relaciones con dos amantes que llevan el mismo nombre; y en “El guachimán”, un vigilante roba miles de dólares para reconquistar a su ex pareja. En estas relaciones hay dos temas sobresalientes: el sexo como actividad que trasciende la racionalidad, y la representación de una fractura social (que se desarrolla principalmente en los cuentos ambientados en Lima).

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