Con este texto inauguramos una vertiente inédita para Porta9: la crítica de obras de teatro actualmente en escena. La primera en ser comentada es ”No pasa nada”, escrita y dirigida por Jorge Castro, que se presenta en el Centro Cultural de la PUCP, de jueves a lunes a las 8 pm, hasta el 6 de octubre.

por Andrea Cabel

EL GUION

Apuntes sobre el título

El título nos remite a dos cosas: por un lado “no pasa nada” es una expresión coloquial muy usada actualmente por todos nosotros, y por otro lado, esta una frase tomada de Estragón, importante personaje de “Esperando a Godot”. Evidentemente, esta simbiosis de lo contemporáneo y lo clásico es un punto que se traducirá a lo largo de las demás “conversaciones”, puesto que en “No pasa nada” no hay escenas, ni actos, ni nada que concuerde con el típico teatro al que estamos expuestos.

Del teatro del absurdo, además, esta obra toma un ingrediente importante: a lo largo de toda la obra se insinúan problemas frente a los que existe una expectativa frustrada. Frustrada siempre. De tal modo que, esta frase clásica y actual funciona también como un balance entre la teoría teatral y lo coloquial e inmediato. Esta frase que advierte el balance y guiño hacia lo actual y hacia lo clásico se ve justificada por la idea central de la obra que es ironizar y parodiar la crítica, la teoría dramática, el teatro convencional, las tendencias actuales que representan siempre lo mismo sobre los mismos temas, (comprobamos esto leyendo el final, en donde el grupo de amigos acaban sugiriendo “lo más de moda” –una película sobre piratas- (de lo que se burlan en la obra) en vez de mantener la idea inicial: hacer una obra en donde pueda haber indicios de conflictos y acciones, pero en donde finalmente, no pase nada). Así, “No pasa nada” enfatiza en la parodia y en la reflexión no solo sobre temas teórico-literarios, sino también sobre una realidad actual limeña.

“No pasa nada”: el guión

En “No pasa nada” no hay “actos” que separen las “partes” de la obra. Lo que hay son subtítulos que representan la idea principal de la que se habla en ese fragmento de la obra. Subtítulos como “El princesa”, “Larga distancia”, “La no soledad”, entre otros. Todo el texto está plagado de subtítulos como si éstos representaran pequeñas escenas, en éstas se discuten temas.

Las varias-tramas de las que se hablan en la obra podrían sobre todo situarse en dos “rangos”, la principal es la que habla de esta misma puesta en escena. Del proceso como se decide escribir una obra como ésta, en donde no pase nada. Se discute, se inventan los momentos y luego se destruyen los mismos para replantear otros. Así, Rodrigo y Gabriel son dos amigos que conversan sobre este “proyecto” que, aparentemente, al final de la historia no se realiza. La aparente subtrama, según el guión, sería las relaciones de estos dos amigos con sus respectivas enamoradas, ex enamoradas, y demás chicas que aparecen en escena. Las demás subtramas son historias que existen y dejan de existir al momento de ser narradas por estos personajes.

Sin embargo, más allá de los temas que traten o de las disparatadas ocurrencias de cada uno de los jóvenes, es claro que el texto es profundamente metateatral. No solo porque hay una actuación dentro de esta actuación, sino sobre todo porque ellos son concientes de eso y lo utilizan hasta casi “perfeccionar” este recurso. Cito, “¿es raro encontrar en el teatro una conversación así, te has dado cuenta?//¿así cómo?//como está//fácil en los Juegos florales del Larco Herrera//Es que los personajes de teatro no tienen tiempo para conversar así, simplemente para conversar, están demasiado ocupados en conseguir sus grandes objetivos, por los que luchan tenazmente…no tienen tiempo para conversaciones inútiles…” ciertamente, existe ironía, reflexión y análisis, pero todo desde la parodia.

Por otro lado, también se ironiza sobre la tendencia actual del teatro, y sobre el teatro en sí mismo, puesto que en la obra se presenta incluso la construcción de un teatro. Desde ahí uno comienza a deslindar los niveles de realidad de una manera más clara.

La diferencia entre el teatro existencialista y el del absurdo: un aproximado punto medio

En el teatro del absurdo, no existe la reflexión sobre los temas de la vida, o sobre la vida en sí, sino que uno está inmerso en ellos cuando lee los guiones, por eso no se entiende nada, por eso uno no analiza sino que vive esa desesperación o impotencia (léase, “Rosentcranz y Guilderstain están muertos” o “Esperando a Godot”). En el caso de esta obra no existe desesperación ni agobio, ni una deformación existencialista de vida.

La obra, es una deformación de diferentes realidades, todas actuales, comprensibles, cercanas, pero aparentemente todas estas deformaciones tienen un fin, o parecen tenerlo. Este fin podría leerse como la aparente trama que aparece en la obra: los dos protagonistas quieren hacer una obra de teatro que sea diferente a las del resto de otras de teatro puestas en Lima-Perú, en pleno siglo XXI, diferente a tal punto que al mismo tiempo que cuestiona, imita. El guión también parece ser por momentos una descripción de su día a día, una representación vital de sus conflictos, o situaciones.

Sin embargo, es interesante encontrar que uno de los personajes dirá lo siguiente: “Hasta ahora no hemos dado casi nada…chequea…para nosotros son…sugerentes porque nosotros sabemos todo lo que nosotros sabemos, pero el espectador no va a saber todo lo que nosotros sabemos, entonces esas escenas…chequea bien…¿tienes todo ahí?”

Este trabalenguas apunta a la teoría dramática clásica, cuando el espectador sabe más que el personaje se produce la tan codiciada “ironía trágica” –un caso es “Edipo Rey”- mientras que en los demás casos, cuando ambos no saben nada de lo que ocurrirá, o ambos ya intuyen qué pasará o cuando el personaje sabe más que el espectador, entonces, la obra, gira. Este aparente trabalenguas dicho por Rodrigo no pretende simplemente llenar de palabras el guión, sino consecuentemente ahondar de manera sutil un punto crítico literario importante.

Los guiños y sus funciones

Por otro lado, son interesantes los guiños y las ironías que se hacen con respecto al teatro convencional, por ejemplo, toman como pieza clave frente a “Hamlet”, columna vertebral de la dramaturgia occidental, y claro, a Aristóteles. Hay una parte en la obra que se subtitula “Algo se pudre en Dinamarca”. Evidentemente, esto se refiere a “Hamlet” y a la expresión es tomada de la obra, aunque la diferencia es minima es significativa, ya que Hamlet realmente dice: Algo está podrido en Dinamarca. Siguiendo esta frase, no se habla de un proceso, de algo que suceda, sino de algo que ya ha sucedido. En cambio lo que dice Rodrigo, tomando esta clásica frase y referencia es que algo está pasando, alude posiblemente al cuestionamiento, al querer saber. Y acto seguido elabora un guión parecido al que leería Hamlet:

“lo que hago, ¿está ahí la verdad de lo que quiero?¿cuál es mi acción? ¿Debo atenerme a afirmar lo que mis actos firman?¡¿cuánto de mi hay en cada uno de mis actos, es en mis actos donde estoy o mas bien estoy escondido en lo que no hago? Si soy el capitán de un barco a punto de naufragar, que ha dejado el timón por un momento, ha sacado su vieja baraja de naipes y se ha puesto a jugar solitario mientras mira el paisaje. ¿se puede decir que el barco va donde quiere el capitán?”

Luego de recitar este fragmento aparecen aplausos y un periodista con cámara en mano. Reaparece la crítica e ironía: se festeja lo convencional, se aplaude lo ya conocido. Lo otro es negado, la respuesta del público censura lo que no conoce, lo que le extraña, lo que es como ellos llaman: intimista. Luego, está la referencia a Aristóteles, a la Poética, que indica claramente cómo debe hacerse una pieza de teatro (enfatizando e ironizando las ideas de Aristóteles con la falta de acción en una obra), y curiosamente el interlocutor en esta obra es un “alumno” es decir, alguien que recibe enseñanzas y que muchas veces no las juzga sino que simplemente las asimila sin critica ni discusión de por medio. Además es un “Alumno X” es decir, un alumno cualquiera.

Rodrigo- Apoyado sobre la base de un héroe o colectividad, que lleva a cabo una acción, que persigue un propósito a voluntad y consciencia, Aristóteles propone que la duración de la obra sea la duración necesaria para que ese propósito se consiga, ni más ni menos, es a eso a lo que él llama la duración suficiente.

Alumno X- ¿Y si el personaje no tiene un propósito así, de claro?

Rodrigo- (se ríe para sí) La obra podría no terminar nunca, por eso, mejor hacerle caso a Aristóteles… si el teatro es una metáfora de la vida, queda claro que la vida, según Aristóteles, no tiene lugar para los que no tienen propósitos, (casi para sí) ni para los lentos… (reaccionando) pero olvídenlo, háganle caso a Aristóteles y punto.¿Alguna otra pregunta?

La introducción de los personajes femeninos: sí, hay desnudos

Respecto de los personajes femeninos, son varios los que aparecen. De hecho, la obra comienza en una “página en blanco” equivalente a un “sueño 1”, entonces, en medio del abandono en la escena, la “introducción” a la obra son tres mujeres desnudas que se mueven “atrapadas en ellas” las tres hacen los mismos movimientos, echadas sobre el piso y avanzan hasta llegar a un hueco en el escenario… esta primera escena es muy diferente a lo que continúa a la obra, la escena de “El princesa”, la conversación sobre un chocolate. Si analizamos la escena de las tres jóvenes desnudas, que dicen con una voz en off: “para qué nos hemos metido en esto, nos van a estrangular, nos han estrangulado, nos están estrangulando” (las tres caen por el mismo hueco y dicen lo mismo, de la misma manera) marca una pauta, una distancia, las tres mujeres desnudas, y además enfatizando sus actos y actitudes como iguales, recalcan que no tienen rasgos individuantes que las representen como los personajes que son, todas ellas emiten el mismo discurso aunque entre ellas sean diferentes y tengan diferentes historias. La desnudez se usa como una herramienta para mostrarlas como iguales, como “mujeres”, no como “Lucía” diferente de “Lady Kaos” diferente de “Mariela” y así. Entonces, ¿cómo es el sujeto femenino en esta obra? ¿Qué se nos trata de dar a entender con esta primera aproximación del lector/espectador? Las historias de estas tres mujeres, Lucía, Lady Kaos, La Rusita, ¿representan el núcleo del caos o del dolor en los demás personajes o en las vidas que parecen representarse en la obra? Posiblemente no. Lo que se trataría de entender a través de ellas y de sus movimientos es la impotencia ante la vida, ante la forma como las cosas pasan y siguen pasando (en referencia a nos van a: ”nos van a… nos han… nos están…”)

LA PUESTA EN ESCENA

Sin embargo, cuando uno va a ver esta obra (y no solo la lee) se toma con dos sorpresas. En primer lugar, lo que dijimos infinitas líneas antes, que el objetivo de la obra era que dos jóvenes querían escribir una historia donde no pase nada, una obra en donde solo se expongan conceptos, diálogos, sucesos, y no una trama lineal aristotélica, se rompe en la puesta en escena. El superobjetivo de la puesta de escena a grandes rasgos es: el problema de Rodrigo con las mujeres. Ellas podrían representar su pasado, sus errores, sus necesidades, su sensibilidad, su debilidad y todo él es un ser débil. Su pasión por el teatro y por querer hacer alguna pieza coherente o por lo menos con una base coherente se difumina a lo largo de la obra puesto que lo principal para el es Lucía, y luego otra, y luego otra. Ergo, la obra, se centra en esto, y todo lo dicho anteriormente se empobrece, se pierde de vista, simplemente estamos ante Rodrigo (César Ritter) que quiere entender a Lucia, su ex, que no quiere perder de vista a la otra y a la otra, y que no sabe, simplemente no sabe…. nada, de su vida, y menos aún de su pasado. Gabriel, personaje según el texto, importantísimo, pierde total relevancia en la puesta en escena. Es alguien que aparece y desaparece, ninguna de sus dos actuaciones son estupendas ni logran tapar el vacío de sugerir finalmente, una trama común, una trama sencilla: un chico joven, traumado con sus experiencias con las mujeres.

El lenguaje de la puesta en escena: la música, las cámaras, la pantalla

Existieron cámaras que filmaban a los actores dentro del escenario y que traducían esas imágenes en una pared blanca del fondo, una pared que supuestamente era la fachada de una casa y que para nosotros podría ser un “zoom” o incluso, la apariencia de proyectar una película, algo irreal. Esto es interesante no solo al enfocar rostros y gestualidades, sino sobretodo porque bajo este mismo sistema podremos leer los documentos que solo leen los actores. Cuando le llega la carta de Viviana a Gabriel, un mecanismo enfoca las letras y las traslada en grande a la pared de tal modo que todos podemos verlas y también leerlas. El escenario permite una amplia versatilidad.

Por otro lado, además del uso de las pantallas (como fondo de paredes), la música es vital, no solo para contextualizar al espectador sino sobretodo para acercarnos más a la sensibilidad de los protagonistas, especialmente del “héroe”. Todas las canciones colocadas han sido puestas en inglés y son de un tipo alternativo, posiblemente ochentero. Ninguna de ellas está en castellano, lo cual está bien ya que enfatiza en un tipo de sociedad, en un tipo claro de personajes “reales”. Por otro lado, hay varios parlamentos que se dicen en inglés, cosa que puede tener varias connotaciones, ya que posiblemente tratan de hablar como mucha gente joven limeña lo hace, o quieren también marcar una distancia con el lenguaje. Porque por un lado su lenguaje es completamente coloquial, y por otro, es extranjero. Entonces lo extranjero también aparece como coloquial y contemporáneo. (Eventualmente, ¿quien no dice algo en inglés?)

Bajo esta idea podríamos hacer una equivalencia: Uno es efectivamente el director y el otro, es el escritor.

Rodrigo: letras:: Gabriel : audiovisual.
Rodrigo se preocupa por escribir un guión:: Gabriel por encontrar fotos, o música

Por otro lado, las luces tuvieron un uso importante, se contrastaba cualquier tipo de luz usada con el espacio blanquísimo donde se desarrollaba la obra; así, las luces rojas eran usadas para remitirnos a los bares y discotecas, mientras que las luces blancas para referirnos a la realidad inmediata de estos sujetos. Es importante tener en cuenta que este espacio estaba constantemente re-creado por El sujeto (el jocker) que hacía los cambios de lugar de las cosas y que las llevaba vestido de blanco. Su función principal, sin embargo, no era solo hacer eso, sino demostrar que la obra no estaba siendo expuesta sino que estaba siendo hecha.

¿Recomendaciones?

Hasta hace una semana la obra era infinita. Ahora, gracias al sentido común de los directores, actores, y público en general la han acortado. Vale la pena ver una propuesta fresca, joven en donde, se desafía la tradicional estructura narrativa, y en donde, en palabras del director: “Es la reivindicación del ‘hueveo’. Juego a un armado dramatúrgico que hace un collage de anécdotas, que oscila entre lo cotidiano, lo onírico y lo imaginado” (entrevista de Enrique Planas). Si vale la pena recomendar alguna actuación, sin duda alguna, sería la del personaje “Cuchara”: Miguel Iza, impecable.